HISTORIADOS EDI-UBB: FRANCIS BACON

domingo, 13 de julio de 2008

FRANCIS BACON

Francis Bacon es conocido como el más influyente y versátil escritor inglés del siglo XVII, sus obras abarcaban un gran número de materias, incluidas la ética, filosofía, ciencia, derecho, historia y política.
Desarrolló el método inductivo, en que trata de dominar la naturaleza interrogándola para obtener unos axiomas capaces de interpretar las observaciones por ello el cita mucho esta frase: “para dominar la naturaleza primero hay que obedecerla”.
Francis Bacon fue un revolucionador del pensamiento, puesto que introdujo el empirismo (demostración de los acontecimientos).
El empirismo considera a la experiencia como única fuente válida del conocimiento en el contacto de los sentidos con las cosas. Son los sentidos los que, al ponerse en contacto con las cosas capturan las formas con que las cosa impresionan, formas que juzgándola por el lado del objeto, son las de su existencia, por el lado del sujeto, las impresiones son el material que es transmitido hasta los centros superiores donde se convierten no solo en percepciones, sino en ideas generales o conceptos
El mérito de Bacon es, sin lugar a dudas, el haber luchado por la aplicación práctica del conocimiento científico, dando lugar al desarrollo de la tecnología en función de una mejor calidad de vida para la humanidad.

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Estilos,movimientos artisticos.

ESTILOS ARTISTICOS
art noveau
el art nouveau se liga a la producción industrial, con un gran sentido de adaptación a la vida moderna. es por ello que se desarrolló singularmente en dos variables: la arquitectura y el diseño gráfico. los primeros ejemplos son paralelos a los cuadros de munch, gauguin y van gogh, pintores simbolistas de raíz expresionista que formalmente ofrecieron mucho al nuevo estilo. pero se limita a la conexión estética, puesto que su hondo dramatismo no tiene nada que ver con los diseños escurridizos, ondulantes, curvilíneos de mera intención decorativa que ofrece el art nouveau. el nombre le vino dado al movimiento a raíz de una exposición de munch en parís, el año 1896, en la galería "art nouveau". se desligó del simbolismo en busca de una autenticidad de época: es el primer movimiento que se desprende casi por completo de la imitación de estilos anteriores (renacimiento, barroco, neoclasicismo, romanticismo, etc.) en busca de la identidad de lo urbano y lo moderno, puesto que nacía un nuevo siglo. por ello utiliza técnicas que le son propias: la reproducción mecánica, como la xilografía, el cartelismo, la impresión... estéticamente resultan imágenes planas, lineales, ornamentales, que se reducen a una economía de medios que las dota de singular belleza, se alejan de la figuración para centrarse en el mero adorno, muy cerca del diseño industrial. las únicas conexiones estilísticas que se le pueden encontrar son las del prerrafaelismo del último romanticismo inglés, y el movimiento llamado artes y oficios. a su extraordinaria difusión contribuyó lo agradable y fácil de su lectura, ayudada por el inicio de la revista ilustrada y las exposiciones internacionales, dos hechos que aparecen en la década de 1890.
biedermeier
con el nombre de biedermeier se conoce un estilo nacido, en origen, en las artes decorativas, durante la era de la restauración (1815-48) en alemania. este término fue acuñado por dos escritores, ludwig eichrodt y adolf kussmaul en algunas poesías satíricas publicadas por un diario de munich en 1855. se caracteriza por su funcionalidad y confortabilidad, adecuada a la vida de la pujante burguesía de la época. sus rasgos, en materia decorativa, son las superficies lisas, las firmes proporciones y la sobriedad de líneas, por oposición a la sofisticación del estilo imperio. otras cualidades de que goza son el empleo de la marquetería de maderas claras, en taracea o alternando con maderas oscuras. el término se aplicó también a los objetos de cristal y porcelana creados para armonizar con las decoraciones. estos cristales son de tipo compacto, tallados y frecuentemente realizados con colores vivos. por extensión se conoció de esta manera un género de pintura que reflejaba el pequeño mundo burgués, afable y conformista. se caracteriza por la profunda y detenida descripción del ambiente y los objetos. entre estos pintores destacan, como ejemplo, f. g. waldmüller, austriaco, y el suizo j. l. agasse.
cubismo
aunque se acepta que el cubismo como movimiento artístico comienza en 1907, fecha de las señoritas de la calle avinyó, de pablo picasso (ése es el nombre original de las señoritas de avignon), la verdad es que ese cuadro supone una culminación de experiencias iniciales, ya en 1906. dos son los formuladores del cubismo, georges braque y pablo picasso. comparte determinados aspectos como la admiración, en la historia del arte de seurat y, sobre todo, de cézanne. además siguen a matisse en la nueva admiración por el arte de los pueblos no europeos, la escultura africana y oceánica. a comienzos de 1908 braque y picasso realizan una estancia en el sur de francia, en la localidad de l' estaque; será un año de intensa amistad y trabajo en común, de forma que en apenas un año el cubismo tiene unas sólidas bases y un perfil propio. el cubismo es una titánica reflexión intelectual y visual sobre la forma. pese al aspecto de algunos cuadros cubistas la forma siempre fue respetada, no cruzando nunca el umbral de lo abstracto. los principales temas serán los retratos y las naturalezas muertas urbanas, los elementos que se disponen de modo caótico sobre la mesa de un café. se pueden distinguir diversas fases en el desarrollo del cubismo. después del momento inicial, hacia 1910-1911 se define el llamado cubismo analítico, el más críptico de todos, donde forma y fondo se entremezclan, se confunden. a partir de entonces la pintura recompone su imagen, proceso en el que cabe mencionar a juan gris (1887-1927). es cuando surge la técnica del collage, en la que se recortan planos de diversos materiales y se pegan a la superficie del lienzo. el comienzo de la primera guerra mundial fracciona el cubismo, que seguirá subsistiendo en experiencias como el purismo, la section d'or o el constructivismo ruso.
dadaismo
nace en zurich en 1916, cuando toda europa estaba en guerra. en la neutral suiza un grupo de escritores, músicos y artistas decide que el arte debe ser un acto de rebeldía, de contestación de los valores que habían llevado al caos bélico. el origen del término permanece sin aclarar todavía. podía ser el nombre de la cantante del café voltaire (centro de sus reuniones), el sonido producido por los bebés o el resultado de abrir un diccionario al azar. algunos de sus principales representantes son tristan tzara, hugo ball o hans richter. rápidamente se creó un núcleo importante en alemania, concretamente en berlín, donde militan george grosz, raoul hausmann y john heartfied, uno de los inventores del fotomontaje, técnica por la cual se recortan fotografías y se combinan de manera asombrosa en una nueva imagen. en 1919 el grupo se traslada a parís, donde alcanzará su apogeo pero también donde fallecerá. picabia, tzara o andré breton son algunos de sus protagonistas; poco a poco se impone la actitud de breton, que prefiere eficacia a escándalo o a juego, lo que supondrá la desaparición de dadá y el nacimiento del surrealismo en 1924. la primera feria internacional dadá tuvo lugar en berlín en junio de 1920. su actitud claramente provocadora se recoge en el mismo folleto de la muestra: "nunca antes un grupo de decadentes, desprovistos de todo saber y toda voluntad, ha tenido coraje de mostrarse al público como lo hacen estos dadaístas". en resumen, dadá se erigió en uno de los movimientos más libres, más creadores, del arte europeo a comienzos de siglo. algunas de sus afirmaciones sobre la obra de arte, el público o la creación tienen aún vigencia en nuestros días. paralelamente, el dadá floreció en u.s.a.: en 1915 marcel duchamp presenta su primer ready-made, la máxima expresión del hecho anti-artístico. ya no se realiza una obra de arte, sino que se escoge, de entre los objetos cotidianos. artista no es el que pinta o esculpe, sino el que escoge un objeto, no por su calidad estética o simbólica, sino aleatoriamente, y se convierte en arte por haber sido elegido de entre muchos otro. es la sublimación de la negación del arte. duchamp era un anarquista nato y nos ha dejado obras de un humor vitriólico, como el gran cristal o el desnudo bajando la escalera, en el cual confluyen cubismo, futurismo y dadá. junto a duchamp en nueva york trabajó picabia. el fin del dadá lo llevaban sus artistas en sí mismos, que se auto-negaban. en berlín, en 1920, max ernst, otra gran figura del dadá, señala en su obra la necesidad del compromiso político para cambiar el orden establecido. el compromiso condujo al surrealismo.
expresionismo

el expresionismo es una manera de inclinar la balanza de un cuadro desde la forma hacia la expresión del contenido. potenciar el impacto emocional del espectador a través del colorido, las formas retorcidas, la composición agresiva, etc., son algunos de los objetivos de los artistas que practican esta forma de pintar, objetivos perfectamente conseguidos por emil nolde en su figura y máscara. pinturas expresionistas las podemos hallar desde los inicios del arte, siempre que respondan a esta intención de moldear la realidad para volcarse sobre la emoción interior. así, los rostros de la pintura románica son plenamente expresionistas o las esculturas medievales de monstruos del infierno. algunos de los grandes maestros de la pintura se consideran expresionistas en este sentido. tal sería el caso del greco, cuyas figuras son cualquier cosa menos realistas. también edvar munch fue un gran cultivador del expresionismo en sus cuadros, así como van gogh, algunos cuadros de gauguin, etc. según entraba el siglo xx el expresionismo se definió más como corriente característica dentro de los "ismos" de la vanguardia, o mejor, en oposición a ellos, en especial a la mesura racionalista del cubismo. estos movimientos estuvieron muy ligados a otras formas artísticas, como el teatro, la música y la literatura: schoenberg puso música a muchas exposiciones del primer grupo expresionista, die brücke; kafka, bertold brecht y strindberg ocuparon las filas de los dramaturgos. tras el experimento del primer grupo, otra formación denominada der blaue reiter toma el relevo. sus realizaciones serán trascendentales en la historia del cine, con el cual interactuaron continuamente: f. w. murnau, robert wiene, fritz lang y max mack. el expresionismo estuvo muy ligado a alemania en la primera mitad del siglo xx, ligazón que se vio rematada con la alianza estilística con los arquitectos del denominado novembergruppe. sin embargo, a partir de 1950, los norteamericanos se apropiaron del nombre en lo que se ha conocido como el expresionismo abstracto de los 50 y los 60.

fauvismo
el salón de otoño de 1905 que se celebró en parís se vio sacudido por un terremoto de luz y color: una de sus salas se reservó para un grupo encabezado por matisse, derain y vlaminck. los lienzos que presentaron ostentaban, orgullosos, gamas cromáticas estridentes y agresivas, hasta tal punto que de allí salieron como el grupo de los fauves, que en francés significa "las fieras". nunca estuvieron muy cohesionados como grupo, puesto que jamás siguieron unos postulados determinados, ni realizaron un manifiesto programático. las similitudes formales y la intención rompedora fue lo que les agrupó, efímeramente. sus temas eran más afines al naïf de rousseau que a los expresionistas, con los cuales se compenetraban perfectamente en el aspecto formal. sus temas son inocuos, bucólicos, retratos, interiores, visiones idílicas del hombre en la naturaleza, paisajes hermosos... su realización es muy colorida y atrevida: es una explosión de colores violentos y arbitrarios, en disonancia deliberadamente calculada. tratan de transmitir una reacción emotiva del pintor ante el tema elegido. no buscan la representación naturalista, sino realzar el valor del color en sí mismo. las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno, lo que les aproxima a la estética art nouveau. el fauve más destacado fue matisse, que se caracteriza por su sencillez casi infantil. desprecia la perspectiva y el modelado en favor de las tintas planas, y su decorativismo resulta bárbaro en su osadía. la espontaneidad calculada de su pintura busca la conexión inmediata con el espectador, para transmitirle la emoción anímica del artista cuando realizó la obra. el hecho de no haberse definido como grupo dotó de una vida efímera al movimiento fauve, que en 1908 se disuelve, siguiendo cada uno de sus miembros caminos divergentes.

futurismo
en enero de 1909 el poeta italiano filippo tommaso marinetti publica el manifiesto de fundación del futurismo, que proclama el rechazo frontal al pasado, a la tradición y la defensa de un nuevo orden moderno, dominado por la máquina, la velocidad y la ciudad. el futurismo surgió en milán y desde la ciudad lombarda se difundió con rapidez por algunos países de europa, siendo en parís donde se establecerá el otro núcleo de producción futurista. en 1910 se puede hablar ya de un grupo. liderado por marinetti trabajan artistas como los pintores russolo, carrà, boccioni, balla o severini; el arquitecto sant' elia, el músico pratella o el cineasta ginna. un año después, en 1911, entran en contacto directo con el cubismo, al que acusarán de ser estático en exceso. intentaron una fusión entre los dos ismos y ese "cubofuturismo" resultante será una fórmula muy extendida por europa. a comienzos de 1913 el futurismo está en su esplendor, tienen incluso su propia revista, "lacerba". el presentimiento de la primera guerra mundial es saludado con entusiasmo por los futuristas que confían en que una destrucción total permita hacer tabla rasa y construir desde cero la nueva cultura occidental. muchos de ellos se alistaron de forma voluntaria pero la guerra supondría al final del grupo: boccioni y sant' elia mueren y russolo queda inválido durante años. a comienzos de los años 20 se produce una nueva oleada de futurismo, que se convirtió en la única alternativa al fenómeno de la "vuelta al orden" dominado en italia con grupos como novecento. los integrantes del nuevo grupo son menos conocidos: pozzo, dottori o dalmonte no lograron revitalizar el empuje que había tenido el futurismo en el pasado.

impresionismo
el impresionismo nace como una evolución a ultranza del realismo y de la escuela paisajística francesa de finales del siglo xix. el preludio se encuentra en 1863, con la creación del salon des refusés, a modo de contestación de los salones oficiales de otoño, que mantenían un arte estancado y carente de originalidad. el impresionismo se corresponde con una transformación social y filosófica; por un lado, el florecimiento de la burguesía, por otro, la llegada del positivismo. la burguesía, como nuevo fenómeno social, trae sus propios usos y costumbres; unos afectan al campo, que deja de ser lugar de trabajo para convertirse en lugar de ocio: las excursiones campestres. es el mundo retratado por monet y renoir. la ciudad, por el contrario, se convierte en nuevo espacio para la nueva clase social: aparecen los flanneurs, paseantes ociosos que se lucen y asisten a conciertos en los boulevards y los jardines de parís. también cobra relevancia la noche y sus habitantes, los locales nocturnos, el paseo, las cantantes de cabaret, el ballet, los cafés y sus tertulias. es un mundo fascinante, del cual los impresionistas extraen sus temas: en especial degas o toulouse-lautrec. porque para ellos se han terminado los temas grandiosos del pasado. el positivismo acarrea una concepción de objetividad de la percepción, de un criterio científico que resta valor a todo lo que no sea clasificable según las leyes del color y de la óptica. según esto, cualquier objeto natural, visible, afectado por la luz y el color, es susceptible de ser representado artísticamente. el cuadro impresionista se vuelca pues en los paisajes, las regatas, las reuniones domingueras, etc. los impresionistas se agruparon en torno a la figura de manet, el rechazado de los salones oficiales y promotor del salon des refusés. ante el nuevo léxico que proponen, de pincelada descompuesta en colores primarios que han de recomponerse en la retina del espectador, el público reacciona en contra, incapaz de "leer" correctamente el nuevo lenguaje. pero el impresionismo cuenta con el apoyo de dos fuerzas sociales emergentes: la crítica de arte, que se encargará de encauzar el gusto del público; y los marchands, los vendedores de arte, que colocan sus cuadros en las mejores colecciones del país. las tertulias, los salones extra-oficiales y el propio escándalo se convirtieron en vehículos propagandísticos del nuevo estilo. dicho estilo cuenta como precedente con los paisajistas de la escuela de barbizon, dependiente del último realismo francés. corot y millet son las referencias más inmediatas en francia, apoyados por la innovación de los paisajes de turner. esta tendencia paisajista la desarrollaron los integrantes del denominado grupo de batignoles, llamados así por vivir en el barrio del mismo nombre. éstos son monet, boudin, renoir... también toman referencias, especialmente de color y composición, del siglo de oro español. el japonismo, una moda de la época, añadió su parte a través de grabados que enseñaron a los artistas una forma nueva de ver el espacio y de utilizar los colores planos, sin intentar falsificar la realidad del cuadro con la tercera dimensión. por último, la fotografía fue otro enlace, aunque no está claro si la espontaneidad de la captación del momento la aprende el impresionismo de la fotografía o, más bien, ésta es la alumna de aquél. en cualquier caso, el resultado es una pintura amable, ligera, frecuentemente de paisaje, llena de luz y color, con pinceladas muy cortas que a veces dejan entrever el blanco del lienzo. no son cuadros grandes puesto que responden a encargos privados. están alejados de cualquier compromiso social (casi todos los impresionistas se fueron de vacaciones al campo o a inglaterra durante la represión de los movimientos obreros de la década de 1880) y no tardaron en ser refrendados por una amplia aceptación social, de esta burguesía que se veía retratada en los lienzos impresionistas, al modo en que el mundo noctámbulo parisino se refleja en el espejo de la barra del folies-bergère de manet.

manierismo
el manierismo es el resultado de la aplicación hasta su último extremo de las reglas fijadas durante el renacimiento. a resultas de este desarrollo se dio una vuelta más a un estilo que se estaba agotando dentro de los rígidos esquemas del canon. así, en círculos independientes, como las cortes privadas de ciertos príncipes y algunos núcleos de intelectuales, se patrocinó un arte exagerado, críptico a veces, sólo apto para iniciados y paladares exquisitos, capaces de apreciar los significados ocultos de la violación y retorcimiento de las reglas pictóricas. cortes como la de rodolfo ii en praga, los círculos papales, la república veneciana, el greco y sus amistades toledanas... son algunos de los sofisticados reductos donde se refugió este arte anti-natural. los personajes de estas obras sufren tremendas distorsiones en sus anatomías, que ven alargadas sus miembros o sus rostros, dispuestos en posturas retorcidas e imposibles en la realidad. los colores no remiten a la naturaleza, sino que son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. el propio miguel ángel o el académico rafael experimentaron en sus últimas obras el placer de la transgresión, desdibujando sus figuras o dejando inacabadas sus obras. tiziano, correggio o giorgione someten algunas de sus pinturas a complicados simbolismos que aún no han sido descifrados, como intuimos en la tempestad, de este último. la orfebrería fue uno de los ámbitos más beneficiados por este complejo arte, que afectó tardíamente, pero de forma genial, a el greco. ya en españa se había pasado por la fiebre manierista, especialmente en los pintores relacionados con el escorial (tibaldi y navarrete el mudo). recién llegado, el greco resultaba pasado de moda y fracasó en la corte, aunque felipe ii pagó sus cuadros a precio de oro. el greco significa la sublimación de un estilo en un contexto que había superado ya el manierismo y se adentraba en el barroco de la contrarreforma católica.

neoimpresionismo
en el neo-impresionismo se agrupan las más diversas tendencias, muchas de las cuales desbordan todo intento de clasificación cronológica, puesto que en gran medida se corresponden con figuras concretas: por ejemplo, edvard munch, autor de el grito, sigue trabajando hasta su muerte después de la ii guerra mundial. van gogh, en cambio, muere rematuramente en 1890. el neo-impresionismo es básicamente un movimiento de reacción ante el impresionismo: habiendo agotado éste su intención estética, la única que tenía en realidad, se ve incapaz de ir más allá. sus veteranos, y los jóvenes pintores de parís y otros países europeos influidos por el nuevo estilo, se enfrentan a la necesidad de abrir nuevas vías de investigación pictórica. las respuestas a esta necesidad serán diferentes según tendencias como el puntillismo o el simbolismo, o según pintores, difícilmente clasificables en una escuela concreta, como cézanne. en cualquier caso, se aprovechan los avances del impresionismo sobre teoría del color e independencia de los temas y se introducen factores nuevos que permiten revalorizar la importancia del arte.

romanticismo frances
francia se deslizó desde los ideales exaltados de la revolución hacia el imperialismo de napoleón, de igual manera que transcurrió el camino del arte desde el neoclasicismo hacia el romanticismo. las guerras napoleónicas fueron las primeras en recurrir al patriotismo del pueblo como factor militar, puesto que el suyo fue el primer ejército nacional y no mercenario, contratado por el rey. los soldados de napoleón luchaban por su patria y no por el dinero de un rey extranjero. esto provocó una manera diferente de entender la guerra, en la cual el ardor de los combatientes era distinto, así como el sentido de su muerte. por primera vez el jefe es secundario frente a la figura del héroe anónimo. la temática de los horrores de la guerra se dejó sentir en el prerromanticismo, dominado por las tendencias estéticas clasicistas. gérard, el barón de gros, boisdenier, meissonier o proud'hon fueron artistas que se iniciaron en las academias neoclásicas pero que tiñeron sus lienzos de sentimiento y humanidad. con frecuencia se sumaron a las novedades literarias de las avanzadillas románticas europeas, como tolstoi o stendhal, que se dedicaron igualmente a retratar los efectos de la guerra. sin embargo, el romanticismo pleno se sintió a partir de 1830. se estrenó la obra "hernani", de víctor hugo, y el teatro terminó siendo el escenario de una batalla campal entre clásicos y románticos. ese mismo año, próspero merimée visitó españa y compuso su ópera "carmen". frente a esta irrupción violenta del sentimiento, el panorama pictórico sigue rendido a los pies de ingres y al academicismo. tendrá que ser géricault, con su agitada vida personal, quien sacuda a los jóvenes pintores y los introduzca de lleno en una estética nueva. géricault es el primer prototipo de pintor romántico, muerto joven en un manicomio, dentro del cual realizó extraordinarios apuntes de los otros enfermos mentales. fue el padrino de la generación romántica, en especial de delacroix, ya que ambos se rinden homenaje mutuo en sus cuadros (el caso más conocido es el de la balsa de la medusa, de géricault, y la barca de dante, de delacroix, en las cuales los pintores se copian y retratan recíprocamente). los componentes principales del romanticismo francés fueron el mantenimiento del canon clásico en las figuras, pero con una mayor libertad a la hora de prodigar el color y la luz, así como en unas composiciones casi agresivas por dinámicas y retorcidas. la mezcla de clasicismo y sentimiento lo aproximan estéticamente al romanticismo alemán y al español respectivamente. en paralelo se desarrolló una escuela de paisaje similar al eclecticismo español, en el cual destacaron chassériau y meissonier. sientan las bases para el paisajismo de la escuela de barbizon y de corot, precedentes inmediatos del impresionismo.

secession de viena
la frustración que supuso para la burguesía austriaca ver como sus esperanzas de alcanzar el poder político se esfumaban se canalizaría apoyando revueltas de carácter cultural. al no poder participar en las transformaciones políticas y sociales, la burguesía liberal se centró en la literatura, la ciencia y el arte, apoyando a los jóvenes creadores y participando de sus movimientos de rebeldía. uno de los primeros grupos secesionistas que se rebelaron contra las normas académicas y tradicionales sería el grupo literario "jung wien" (joven viena) pero la verdadera "seccesion" se gestó en la casa de los artistas, única asociación de artistas de viena que organizaba temporalmente exposiciones para mostrar las creaciones de sus miembros, exposiciones que contaban con un jurado que seleccionaba a los artistas que participaban. los miembros antiguos no permitían incorporar en las muestras obras de artistas que tuvieran una visión diferente y por supuesto, no se permitía la exhibición de obras realizadas por artistas extranjeros, canalizando las muestras de manera casi exclusivamente comercial. la obras de theodor von hoermann y josef engelhart, pintores que habían viajado a parís donde tuvieron contacto con los impresionistas, fueron rechazadas por el jurado de la casa de los artistas lo que sirvió de acicate para una revuelta liderada por los más jóvenes. la exposición de la obra de la seccesion de munich en la casa de los artistas de viena durante 1895 servirá de espoleta para que karl moll, joseph engelhart y gustav klimt empezaran a plantearse una ruptura. pero el detonante sería la elección del presidente de la asociación de artistas; en la asamblea general de 1896 resultó vencedor el representante de la corriente academicista, el pintor eugen felix, por sólo 16 votos de diferencia. estaba claro que había en la asociación dos grupos claramente enfrentados. uno de estos grupos, constituido por unos 40 artistas -entre los que estaban klimt, moll, alfred roller y koloman moser- se reunía el 3 de abril de 1897 para constituir una organización nueva e independiente: la asociación de artistas austriacos. en un primer momento no se planteaba la segregación de la sociedad de artistas, separación que se produciría en mayo al renovarse los conflictos entre ambos bandos. klimt fue elegido presidente de la nueva asociación, escribiendo una carta en la que se leían los argumentos que provocaron la escisión -"es necesario establecer el espíritu de las exposiciones sobre una base puramente cultural, libre del carácter mercantil (...) y en última instancia se estimule a las esferas oficiales a que se preocupen más por el cuidado de las obras de arte"- y los objetivos del nuevo movimiento -"fomentar, en primer lugar, la actividad artística, el interés por el arte en nuestra ciudad y, una vez que el mismo se haya ampliado a nivel austriaco, extenderlo a todo el imperio"- el 27 de junio de 1897 se celebraba la primera asamblea general de la secession, donde se acordaron la elaboración de unos estatutos, la fundación de una publicación sobre arte y la construcción de una sala propia de exposiciones. la revista que publicaron tendrá el nombre de "ver sacrum" (primavera sagrada) en cuyo primer número se habla de la secession en un sentido programático al tomar como referencia la "secessio plebis" romana: cuando la tensión en la antigua roma crecía entre los plebeyos, éstos se trasladaban a un monte cercano a la ciudad y amenazaban con la fundación de un segunda roma. el nombre de la publicación también tenía connotaciones romanas: "ver sacrum" era la antigua costumbre de bendecir, en época de gran peligro, todas las cosas nacidas en la siguiente primavera, como ofrenda a los dioses. tras la fundación del movimiento secesionista comenzaron los trabajos de construcción de una sala de exposiciones, contando con el apoyo de importantes mecenas, entre ellos el alcalde de la ciudad, karl lueger, quien regaló el solar donde el arquitecto joseph maria olbrich levantó el edificio de la secession, combinando elementos geométricos y coronado con una esfera calada. en el frontón se podía leer el lema de ludwig hevesi que recoge la filosofía del movimiento: "a cada época su arte, al arte su libertad". la primera exposición del grupo se celebró el 15 de marzo de 1898 en los locales de la sociedad de horticultura, reuniendo un total de 131 obras de artistas extranjeros -rodin, segantini, puvis de chavannes, entre otros- y 23 de artistas locales. el propio emperador francisco josé i visitó la muestra, lo que indicaba la protección oficial brindada en un primer momento al movimiento. con motivo de la inauguración del edificio diseñado por olbrich, el 12 de noviembre de 1898, se organizó la segunda exposición, exhibiéndose la palas atenea de klimt, una de los símbolos del movimiento. durante los ocho años siguientes, la secession organizó 23 exposiciones, siendo la más importante la celebrada en 1902, dedicada a beethoven, donde klimt mostró su famoso friso. al ser uno de los objetivos del movimiento el acercar el arte moderno a los vieneses, buena parte de los beneficios de las exposiciones se invirtieron en comprar cuadros de artistas modernos -van gogh entre otros- para donarlos a la galería austriaca. al mismo tiempo se establecieron visitas guiadas a la sede de la secession para los trabajadores los domingos por la mañana. desde un principio se planteó que la secession debería existir durante un periodo de diez años, en el cual se habría conseguido su objetivo de rescatar el arte de la vida comercial. pero en los primeros años ya surgieron problemas de carácter estético al existir diversidad de opiniones en torno al impresionismo. la fundación en 1903 de los talleres de viena por parte de hoffman, moser y waerndorfer provocó un grave conflicto en el seno del grupo que se acentuó con motivo de la exposición de st louis de 1904, en la que por motivos burocráticos no estuvieron representados. la espoleta de la ruptura vino con la muerte del propietario de una galería de arte y el ofrecimiento de un joyero para financiar la compra de la galería, siempre y cuando estuviera ligada a la secession, exponiendo sus obras con plena visión comercial. esta idea rompía con los planteamientos iniciales del grupo y el círculo de los llamados "naturalistas", liderado por josef engerhalt, acusó a los demás de traicionar las ideas que les habían llevado a abandonar la sociedad de artistas. en 1905 se celebró una convulsiva reunión y el grupo de klimt perdió por un voto. se producía una nueva escisión de dieciocho artistas, curiosamente los más destacados en los últimos ocho años, que tendría como nuevo eje de su movimiento los talleres de viena donde se continuará el "jugenstill", el concepto de obra de arte como un todo.

surrealismo
a partir de un fenómeno artístico cultural como fue dadá, el surrealismo empieza en 1924 en parís. allí, el escritor francés andré breton publica el primer manifiesto del surrealismo y define el nuevo movimiento como "automatismo psíquico puro a través del cual nos proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del pensamiento". en principio era un movimiento de y para escritores, pero de inmediato se vislumbraron las enormes posibilidades que tenían para la pintura y la escultura. pronto se distinguieron dos modos de hacer arte surrealista. de una parte, los pintores que seguían defendiendo el automatismo como mecanismo libre de la intervención de la razón; entre los más destacados están joan miró y andré masson. de otra, cada vez adquirió más fuerza la opinión de quienes creían que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de válido. sin duda, salvador dalí llevaría al límite el poder rupturista de la figuración, pero también cabría mencionar a rené magritte, paul delvaux o yves tanguy, éste último más interesado en las formas viscosas, líquidas. el arte surrealista investigó nuevas técnicas, como el frottage, la decalcomanía, el grattage, el cadáver exquisito o la pintura automática. también se interesó el surrealismo por la expresión de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado. el arte de los pueblos primitivos, el arte infantil, de los dementes o de los aculturizados fue revalorizado desde entonces. su duración es ciertamente muy extensa, desde 1924 hasta el final de la segunda guerra mundial. además su capacidad de promoción fue excepcional, se celebraron exposiciones en todo el mundo. como consecuencia del surrealismo y la abstracción, la pintura contemporánea norteamericana lideró a partir de 1945 el arte mundial.

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